Sebastián Fierro


Iván Ordóñez: ¿Desde cúando empieza su interés por el arte?

Sebastián Fierro: Arte siempre fue la clase que mas disfrutaba en el colegio. Me gustaba usar todo los diferentes materiales que la clase demandaba. Todo parecía un juego sin la presión que me causaban las otras materias. La verdad me divertía mucho en esas clases, me sentía muy feliz en ellas; sólo tenía que hacer cosas despreocupadamente. Más adelante pensé que debería considerar estudiar Arte simplemente porque eso me iba a hacer feliz y así fue.

I.O: ¿Qué problemas estéticos, ideológicos o conceptuales ha desarrollado en su trabajo?

S.F: Mis preguntas surgen de la Pintura y de su relación con el paisaje. Me gusta mucho la idea de mirar algo distante y ajeno. Ver un paisaje es un ejercicio mental muy interesante para mí, siento que eso que está enfrente es tan diferente a mí y a la vez indiferente a lo que me hace sentir o pensar. Pintar termina siendo una respuesta a esa situación, un pequeño experimento con la intención de comprender eso que veo y que no entiendo. Siempre he pensado que la pintura es una herramienta con la que puedo atreverme a conocer el mundo y relacionarme con él.

I.O: ¿Qué técnicas, medios o lenguajes ha trabajado?

S.F: Yo uso óleo, pinceles y tela. Nada más. Con estos materiales he encontrado un montón de posibilidades que resulta una técnica muy estimulante, siempre hay algo más que hacer con ella. La pintura se me dio tan naturalmente como el ping-pong o correr a Forrest Gump. El dibujo siempre ha estado conmigo, lo uso para aliviar un poco las tensiones cuando las pinturas no me fluyen pero no suelo exponer los dibujos.

I.O: ¿Qué temáticas ha desarrollado en su trabajo?

S.F: Hubo momentos en los que trabajé en series determinadas por un tema específico; como volcanes, nubes, casas incendiadas… Esto me ayudaba a contener una idea por un tiempo y así poder pintar. Después, estos temas me cansaron, o se me agotaron visualmente, y me moví a otra cosa. Es por eso que no me he vuelto a preocupar por pintar “temas”, ahora creo que es más importante pensar la actividad de mirar y de pintar como tema.

I.O: ¿Qué artistas han influenciado su trabajo?

S.F: Hay una lista enorme, pero hay un común denominador. Me gustan los artistas que muestran en la pieza final el proceso que dio lugar al resultado, me gusta ver que la obra reconoce y acoje el error y la duda. Por ejemplo Cezanné, Matisse, Bonnard y Turner muestran que no tenían una idea clara de lo que querían; encuentran la pintura. Esa idea de “encontrar” se la escuché a Consuelo Gomez, que fue mi profesora cuando estaba en mi segundo sementre, ella decía que el Arte no se hace sino que se encuentra. Por mucho tiempo no entendí lo que eso significaba. Fue cuando estaba en mi taller haciendo pinturas sin saber como iban a terminar, sin una idea previa, que entendí cómo una obra terminada es una aglomeración de ideas, unas encima de otras, hasta que al final la pintura está diciendo cosas que nunca hubiera podido saber de antemano, cosas que ni yo tenía en la cabeza. Muchos otros artistas hablan de esta idea de encontrar la pintura, algunos de ellos son: Per kirkeby, Katy Moran, Peter Doig, Emil Nolde, Daniel Richter, Tom Fairs, Constable, Golzález Camargo, Jessica Stockholder, leon Kossof, Philip Guston, Courbet, Bacon, Helen Frankenthaler, Thomas Schutte. Esto pasa tambien con la música, que es algo que me apasiona y me afecta mucho; Coltrane, Mingus, Monk, Son house, Skip James, Tom Waits, Dr. Jhon, Nick Cave, Talk Talk.

I.O: Hablemos sobre sus proyectos.

S.F: Cada una de mis pinturas es un proyecto. En el taller tengo un promedio de 15 pinturas que trabajo al tiempo. Muchas de ellas las he trabajado por más de un año y ahí sigo hasta que la pintura funcione. Cuando llega el momento de decidir qué pinturas mostrar, muchas no pasan la prueba y vuelven al taller donde sigo trabajando en ellas. Mi última exposición individual agrupaba un grupo de 13 pinturas que hice en el 2012. Todas ellas partían de la idea de elegir caprichosamente los motivos para una pintura. Siempre he pensado que las motivaciones para hacer una pintura son tan intuitivas que da miedo reconocerlo. Da miedo decir “porque me gusta” cuando es difícil explicar verbalmente qué es lo que amerita ser visto a travez de la pintura. Las razones, las motivaciones, estan contenidas en la pintura misma. Esa era la idea quería señalar con esta exposición.

I.O: ¿Cuántas exposiciones ha tenido?

S.F: He tenido cuatro individuales y unas veinte colectivas

I.O: ¿Qué artistas colombianos le interesan?

S.F: Freda Sargent, González Camargo, José Antonio Suárez, Juan Mejía, Lucas Ospina, Juan Fernando Herrán, Marco Ospina, Feliza Bursztyn, Luciano Jaramillo, Danilo Dueñas, Santamaría, Wiedemann. Botero era tan chevere…

I.O: ¿Qué opina del arte colombiano?

S.F: Si el arte colombiano fuera una persona, me la imagino como alguien que cree que tiene obligaciones, karmas y presiones sujetas al lugar en donde vive. Creo que a esa persona le gustaría saber que no es necesario cumplir con las obligaciones, que no tiene karmas ni presiones.

I.O: ¿Cree que hay algo que defina una cierta colombianidad en el arte que se produce por colombianos o en Colombia?

S.F: La verdad no se. ¿El gris?

I.O: ¿Qué opina de la curaduría?

S.F: Una buena curaduría es algo muy emocionante. El ejercicio de examinar y asociar obras es un juego muy estimulante. Lamentablemente las buenas curadurías no son la mayoría.

I.O: ¿Qué opina del mercado del arte?

S.F: Si tuviera mucha plata me gastaría una buena parte en Arte. Los artistas no viven del aire, ni tampoco se mueren de hambre. Todo gracias al mercado del arte o los trabajos alternos que todos tienen. Si el mercado del arte local fuera más fuerte, todos estaríamos contentos haciendo mucho arte sin angustias.

I.O: ¿Qué opinion tiene de las ferias de arte?

S.F: Son cosas muy grandes, aglomeradas de euforia y confusión. Creo que cada vez son más importantes, más grandes. Una visita a una feria sirve para formar una idea de lo que está pasando. Son enormes condensados del mundo del arte.

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